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Lo spettacolo

Dennis Nilsen

Il lavoro prende ispirazione dalla figura di Dennis Nilsen, serial killer inglese che nella sua autobiografia "History of a Drowning Boy" ricostruisce con lucidità rituale dodici omicidi compiuti nell’arco di cinque anni, all’interno di una quotidianità mai scalfita da sospetti o denunce. Nessun corpo reclamato, nessuna scomparsa segnalata, nessuna frattura apparente: l’orrore si consuma nella normalità assoluta. 

Il progetto non intende ricostruire una vicenda criminale, ma interrogare la banalità crudele della solitudine e il vuoto affettivo che attraversa una società incapace di riconoscere ciò che resta ai margini. L'Inghilterra a cavallo tra gli anni '70 e '80, attraversata da icone ribelli e fughe giovanili, ma ancora rigidamente normata sul piano familiare e identitario, diventa il contesto silenzioso in cui l'isolamento si trasforma in rituale, e il bisogno di relazione in possesso.

La figura di Nilsen è assunta come dispositivo drammaturgico, non come soggetto da giudicare: un prisma attraverso cui osservare la costruzione di una normalità deviata, in cui amore e morte, desiderio e annientamento, convivono senza soluzione. Archetipi antichi, stereotipi reiterati e immagini speculari si intrecciano in una danza di sdoppiamenti, trasfigurazioni e ripetizioni che abitano quello spazio vasto e senza tempo che è l’animo umano.

In scena tre danzatori – due uomini e una donna, di età diverse – indossano per l’intera durata della performance la stessa maschera integrale. Non rappresentano personaggi distinti, ma le tre funzioni, le tre anime attraverso cui il protagonista si percepisce e si racconta: agente, agito, osservatore.
La coreografia si articola in un capovolgimento costante dei ruoli, elaborando il meccanismo di passività e reattività come forma estetica e poetica. L’assenza di attività muscolare, il lavoro sul peso, sul movimento scheletrico, sulla caduta, sulla manipolazione del corpo proprio e dell’altro costruiscono una partitura fisica eclettica, segnata da cambi rapidi e da un montaggio di ambienti che richiama il linguaggio cinematografico.

Scene, movimenti e paesaggi sonori ricostruiscono il percorso ossessivo e circolare del protagonista fino al punto di rottura: lo svelamento, la caduta della maschera, il confronto inevitabile con una società che può finalmente esorcizzare il male, imprigionandolo e riconoscendone con sgomento l'aspetto ordinario, comune.

Locandina

produzione
SPACCA / Sanpapié

coreografia e regia
Lara Guidetti 

con
Sofia Casprini
Gioele Cosentino
Fabrizio Calanna 

drammaturgia
Saverio Bari
in collaborazione con
Gianluca Bonzani 

elaborazioni sonore e sound design
Marcello Gori 

maschere
Maria Barbara De Marco

scene
Maria Croce

costumi
Fabrizio Calanna

con il supporto di MiC – Ministero della Cultura

spettacolo consigliato dai 16 anni

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